Aram Bartholl - DVD Dead Drop, la memoria en el espacio publico y sus rendimiento tecnologico


Una ranura abierta en un muro apenas perceptible para el ojo humano, se convierte en un medio transmisor de información cultural.

El usuario introduce un DVD y al cabo de un momento como por arte de magia la enigmática abertura lo expulsa con contenidos relativos a la programación que en ese momento ofrece el Museum of the Moving Imagedg de New York.

Creada por el artista multimedia Aram Bartholl, la intervención interactiva titulada DVD Dead Drop, permite tanto a los visitantes habituales del museo como a los que por falta de tiempo establecer una relación esporádica con las exposiciones que se ofrecen en el espacio físico. 


El titulo del proyecto de Aram hace referencia a lo efímero de la tecnología actual y a las posibilidades de reutilización en el espacio publico. Disponible las veinticuatro horas, DDD, es la continuación natural de la experiencia titulada Dead Drops.


DVD Dead Drop es una intervención de carácter inmersiva que combina la tecnología y su rendimiento en términos de memoria, con el espacio publico como lugar en el compartir experiencias. 


En la quee Aram utilizaba una memoria USB que distribuida en diferentes de la ciudad de New York, permitia a sus usuarios almacenar e intercambiar archivos con otros usuarios, que participaban en un intercambio colectivo de información.

En las intervenciones de Aram Bartholl se abordan temas tan socialmente relevantes desde el punto de vista tecnologico, como el exceso de vigilancia a la que estamos sometidos, como se gestionan la privacidad de nuestros datos en la era digital y la dependencia tecnológica. Exponiendo y analizando a través de su trabajo las contradicciones y absurdos de nuestra vida digital cotidiana en entornos físicos.




Ingarden & Ewý Architects - Małopolska Garden of Arts, un nuevo centro cultural para recuperar el paisaje social de Cracovia



Seleccionado como uno de los proyectos del año Building of the year por parte del magazine digital especializado en arquitectura Arch Daily

El nuevo centro cultural Małopolska Garden of Arts en la ciudad polaca de Cracovia, es un magnifico ejemplo de como utilizar volúmenes arquitectónicos ya existentes como base que permite revitalizar un entorno en desuso desde hace decadas.

En este caso se trata de una antigua escuela de hípica de siglo XIX abandonada desde la hace más sesenta años. La nueva construcción esta ubicada en una zona arbolada que formaba parte de uno de los polígonos de la ciudad en lo que era un área industrial. Enorme superficie formada por decena de miles de metros cuadrados, que tras ser urbanizada con una diversidad de equipamientos ha sido para usos residenciales.
 

Diseñado por el estudio local Ingarden & Ewý Architects, el nuevo edificio esta proyectado en forma de ele, el complejo socio cultural integra en el ala oeste el Teatro Juliusz Slowacki y Sepioł Janusz. Un equipamiento cultural que ha trasladado sus instalaciones desde el centro de la ciudad al actual emplazamiento.

El cual un futuro próximo contará con conexiones con el resto del área metropolitana gracias a una línea de autobús además contará con varias paradas de tranvia. En total se ha actuado sobre una cantidad de terreno equivalente a más de cuatro mil metros cuadrados. 

En el ala opuesta se ha instalado la Biblioteca Voivodeship Malopolska,  cuyos contenidos se los reparten los más cien mil volúmenes que son los que se pueden consultar en su registro. Además cuenta con una mediateca, con contenidos multimedia y música. Y una sala de exposiciones donde se realizan exhibiciones y talleres de arte. 


El edificio polivalente también cuenta con una sala de cine con cien plazas, una cafetería y las instalaciones para la organización de las actividades educativas.

Según palabras de los autores, la forma del edificio es un juego contextual entre la mimesis y la abstracción. En la práctica, esto no significa que el edificio sea un simulacro del contexto, sino que se inspira en el código de formas contextuales que hacen referencia a la geometría de los tejados y el tejido de las estructuras vecinas. Formadas por las composiciones geométricas abstractas de las fachadas de su entorno.


El edificio delicadamente empuja a los transeúntes con la hábil manipulación de la forma, ya que a primera vista el visitante tiene la impresión de ir más allá de las fronteras de un jardín. Un invernadero que se convierte en el mejor reclamo de la actividad que se realiza dentro.




Qiu Zhijie - The Small, instalacion basada en el efecto domino


The Small Knocking Down the Big (El pequeño derribando al grande) es una instalación del año 2009 realizada por el artista chino Qiu Zhijie. Hecha de cientos de piezas de dominó de madera.

Se trata de una intervención experimental que combinan la expresión artística y la observación cientifica. Destinada a demostrar libremente los efectos de algo conocido como Domino Magnification (ampliación Domino)

La premisa básica de esta formula matemática es demostrar que cualquier ficha de dominó puede tumbar a otra ficha que es aproximadamente 1,5 veces mayor que la predecesora en una acción producto de la inercia. 


Lo que significa que si se presiona suavemente un pieza de dominó de tamaño normal en una cadena de ladrillos que aumentan de tamaño cada vez un 1,5 centímetros su tamaño, la pieza número 32 será lo suficientemente grande como para derribar el edificio del Empire State



Los participantes están invitados a derribar las fichas de dominó de las ramas más pequeñas desde el exterior de la instalación que eventualmente ganarán impulso suficiente para derribar los bloques más gruesos.


La instalación de Zhijie es tan intuitiva como lúdica y visual. Se trata de una performance de carácter inmersivo que se ejecuta a partir de principios matemáticos y un marcó normativo participativo y cuyo proceso completo se explica en el siguiente vídeo que podéis ver AQUI



Publicidad que produce agua potable a partir de la humedad del aire


Perú debido a su situación geográfica y sus condiciones climatológicas presenta un patrón de precipitaciones insuficiente para cubrir su demanda de agua potable, pero si embargo es debido a esas mismas circunstancias climáticas y geograficas por lo que tiene un 98% de humedad en el aire. 

Enormes recursos hidricos que son desaprovechados y que de aplicar la tecnología adecuada, solucionarían los problemas de abastecimiento de agua. Tanto la destinada a consumo humano como la destinada a actividad industrial. 

Produciendo agua de calidad y evitando de esta forma el consumo de agua bombeada de cuencas subterráneas, la cual debido a la escasez de sistemas de depuración su cuestionable calidad origina problemas de salud entre la población que la consume. 


Ingenieros pertenecientes a la Universidad de Ingenieria y Tecnologia de Lima, han desarrollado un sistema de extracción y depuración que utiliza los postes publicitarios, como soporte producción y almacenaje de agua, aprovechando las enormes bolsas de agua condensada que hay en el aire circulante. 

El innovador sistema situado a la altura del Km 89.5 de la carretera de la Panamericana Sur, en las afueras de la localidad costera de Bujama, se instalo como elemento de una valla publicitaria. La cuál presentaba una capacidad para generar 98 galones de agua potable.


El prototipo incorpora un sistema compuesto por filtros que purifica el agua fabricados con carbón activado y antiséptico, solución con la que se logra generar un agua de excelente calidad.


Esta iniciativa forma parte de una campaña intstitucional que tiene como objetivo, promover el interés de la ingeniería entre la población en general, y especialmente entre los miembros de la comunidad escolar. 



Dario Tironi & Koji Yoshida, esculturas o una sátira acerca de una sociedad distopica



La humanidad es producto de sus deshechos, gracias a esta paradoja por ejemplo metaboliza oxigeno mediante la respiración exhalando dióxido de carbono que se reincorpora al medio ambiente. 

Los dos jóvenes artistas Dario Tironi y Koji Yoshida trabajan sobre el concepto del abandono y recuperar materiales de deshecho, transformándolos en la materia prima con los que elaborar sus obras.

Es así como estas obras que a primera vista, pueden parecer ingeniosas y imaginativas, cumpliendo una función estetica con piezas que se crean a partir de reciclar los deshechos domesticos. Materia con la que finalmente se elaboraran sus esculturas.


Otras reflexiones sugeridas por los artistas analizan la contaminación a que esta sometida nuestra sociedad debido a entre otras causas a la tecnología. De la que utilizan como criterio intelectual a partir de los que elaborar un discurso critico.

Elementos o piezas de los videojuegos, los ordenadores, los teléfonos móviles o la bio-ingeniería que tras ser seleccionadas, cambian el rol para el que en principio fueron concebidas adoptando un papel creativo. A través del que se modifica su significado y simbolismo.


El ser humano incorpora a su diseño bio-degradable la tecnología que desarrolla. Siendo estuna imagen sugerida por sus obras. En este sentido la posibilidad del que que el ser humano pueda convivir con replicas biónicas no es ciencia ficción.


Sino que está a nuestro alcance y ya está teniendo efectos en diferentes ámbitos de nuestras vidas. Transformando radicalmente la percepción de nosotros como sujetos así como de nuestra relación con nuestra entorno natural.

Por lo que es perro que hasta este momento ha dependido del niño para cubrir sus necesidades de alimentacion, se equipara a su amo pasando de ser una mascota cuya conducta era pasiva y docil. A ser una entidad híbrida organica-cyborg con autonomía para tomar sus propias decisiones.

Según los artistas, sus esculturas representan la conexión de la evolución biológica con la contaminación ambiental y la acumulación de basura. El mensaje pretendido es que la evolución tecno-cientifica de la diversidad de especies que habitan el planeta tierra. Supone  adquirir un compromiso respecto al medio ambiente y la gestión responsable de los residuos producidos por una civilización bio-tecnológica muy avanzada.



Living Light, es una red que informa sobre los índices de contaminación en Seoul


Living Light (Luz Viviente) es un elemento que forma parte del mobiliario urbano de la ciudad de Seoul en Korea del Sur. Diseñado para monitorizar la calidad del aire de los veintisiete distritos que forman la ciudad a la vez que cumple una función estética.

Instalado en los aledaños del Estadio de la Copa Mundial en el Parque de la Paz, es un diseño firmado por Soo-in Yang y David Benjamin fundadores del estudio The Living con sede en New York. Cada uno de los paneles que compone la estructura es un interfaz que registra datos relacionados con la calidad del aire y la intensidad de la contaminación lumínica.

Living Light en realidad se gestiona como un enorme mapa que representa todos y cada uno de barrios de Seúl. Con un intervalo de quince minutos, los barrios se iluminan con el fin informar a los ciudadanos sobre una diversidad de parámetros relacionados con la contaminación. 

El sistema demótico esta basado en una red de sensores que colocados en puntos estrategicos de los distritos que cubre, transmiten sus datos en tiempo real desde cada estación al receptor administrativo en el Ministerio de Medio Ambiente de Corea. 

Cuando los niveles de contaminación del aire varían en un área en concreto, el panel correspondiente se ilumina gracias a un diodo LED. El mismo sistema que controla la iluminación de los paneles integra un dispositivo SMS, por lo que los que los usuarios pueden estar informados mediante la utilización del móvil.


Instalado en 2.009 su desarrollo esta basado en el proyecto de investigación Flash Player, cuyo objetivo era explorar la posibilidades energéticas que ofrece la arquitectura y cuyos resultados se publicaron en el volúmen de divulgación titulado Life Size.


 

Dina Velikovskaya - My Strange Grandfather, oda al abuelo ausente


Premio del Público en la ultima edición del festival de animación de Montreal, el ultimo trabajo de la realizadora Dina Velikovskaya estudiante Universidad Estatal de Cinematografía Rusa.

Representa un cambio de registro tanto en lo técnico como en lo narrativo respecto a trabajos precedentes, incluso se aprecia una ambientación diferente. Aunque en  My Strange Grandfather  (el que podéis ver AQUI) la protagonista sigue siendo el mundo de la infancia. 

La historia describe la relación de una nieta y su abuelo un inventor excentrico. La atmósfera que preside el corto aunque conserva el lirismo que se observa en trabajos precedentes como  Pages of fear, The road to bethlehem o su debut hace tres años The Bridge es diferente.


Al contrario que estos que transcurrían entre atmósferas opresivas donde el crudo invierno con sus tonos oscuros se convierte en parte importante de su discurso. En My Strange Grandfather la composición escénica se ambienta en un entorno mas amable.

Transcurriendo en época estival en una playa donde salvo algún vendaval, el cielo es azul, luce el sol que esta omnipresente a lo largo de todo el día y la escala monocromatica de otros trabajos es sustituida. Por una paleta de colores que favorecen una iluminación radiante.

Realizada en stop motion, Dina recupera las marionetas como objeto central de la animación, aparcando el experimento que supuso Pages of fear. En el que las marionetas se alternaban con material gráfico e ilustraciones.

Dina Velikovskaya nació en Moscú en 1984. En 2005 se graduó de la Escuela de Bellas Artes, con una especialización en diseño escénico. Desde 2006 ha estado estudiando en la Universidad Estatal de Rusia de Cinematografía (VGIK).


Studio Weave - Lullaby factory, musica para mejorar la salud


Creada por el estudio Studio Weave la intervención Lullaby factory es una experiencia que va mas allá de lo visual. Adosada a una fachada del Great Ormond Street Hospital, la instalación que ocupa 110 metros y las diez alturas de las que se compone el edificio.

Esta formada por una red de cañerías de cuyos extremos se emiten periódicamente diferentes melodías, compuestas atendiendo a criterios médicos. Como las especialidades o los diagnosticos, así como el material sanitario que emplean en su trabajo.

Los elementos que componen Studio Wave han sido fabricados a partir de la reutilización del mobiliario de la antigua cocina de la institución. En conjunto la composición parece extraída de un relato victoriano, los amplificadores estilo gramófono le da un aire retro años veinte casi surrealista. El color cobrizo de las tuberías, los depósitos y bobinas se entrelazan siguiendo un patrón parecido a un laberinto.


Los arquitectos se inspiraron en las tuberías sucias y sistemas de drenaje que ya cubren la superficie de las paredes de ladrillo. Por lo que en vez de camuflarlas, decidieron añadir a ellos un amplio marco que abarca los diferentes elementos de la instalación.

Las melodías compuestas por Jessica Curry, representan agradables pasajes  sonoros que se ejecutan a través de las tuberías emitidos en frecuencias especificas. Que contribuyen a crear una atmósfera relajante y estimulante amenizando el ingreso de los pacientes y su restablecimiento. 

Studio Wave transforma un paisaje urbano agreste y gris en en una instalación lúdica, donde intervienen aspectos sensoriales y el entorno arquitectónico en una estrategia terapéutica para beneficio de los pacientes.

StudioKCA - Head in the Clouds, un pabellón hecho con botellas que parece una nube



Realizado para la próxima edición del City of Dreams que se celebra en la Governors Island (una isla situada al sur de Manhattan en New York), el pabellón Head in the Clouds es una experiencia arquitectónica que pretende mostrar las aplicaciones constructivas de materiales reciclados.

Seleccionado entre doscientas candidaturas, el pabellón sera construido utilizando como materia prima botellas de plástico agrupadas por nichos que cubren un armazón, formado por hexágonos. El proyecto que esta en fase de financiación esta firmado por el estudio de arquitectura StudioKCA.

En la construcción del pabellón se emplearan mas de 53.000 botellas de plástico, que esperan en un almacén para ser trasladadas al lugar donde los miembros del equipo construirán la instalación.


Head in the Clouds tendrá unas medidas de 40'x18'x15. La estructura que soportara el pabellón de botellas esta fabricado en aluminio y madera y reciclado. El pabellón contará con un área para sentarse, y un escenario para varios eventos planeados en la isla este verano. También servirá como punto de reunión para los casi 200.000 visitantes que esperan los organizadores del evento.

Se calcula que cada día en los Estados Unidos se tiran la nada despreciable cantidad 48.000.000 botellas de plástico. El pabellón está contemplado de manera que representará el número de botellas de plástico desechadas en Nueva York en tan sólo 1 hora.

El City Of Dreams esta patrocinado por el Instituto Americano de Arquitectos de Nueva York AIANY, el comité de arquitectos de Nueva York Emergentes ENYA, y la Asociación de Ingenieros Estructurales SEAoNY.



Dos maneras de producir energía con fines humanitarios


Hoy vamos a ver dos proyectos de crowdsourcing que aplicando las leyes de la termodinámica y el reciclaje han conseguido desarrollar fuentes de energía renovable, cuya aplicación en el ámbito domestico sirve para cargar pequeños gadgets como teléfonos moviles o portátiles con garantía y seguridad.

El primer proyecto se llama Epiphany OnePuck, se trata de un cargador basado en la generación de electricidad a partir de fuentes térmicas, ya sean calientes o frías. Usando un motor stirling alimentado únicamente por las diferencias de temperatura, como una bebida caliente o fría, una vela, hielo, etc. 

Estas fuentes tiene capacidad suficiente para producir energía con la que cargar completamente un smartphone o una tablet. No hay nada nuevo acerca de los motores stirling que se inventaron a principios de 1.800, pero gracias a los nuevas materiales y los avances tecnologicos, estamos en condiciones de ponerlas en práctica en formas que antes no eran posibles.

El OnePuck está diseñado para producir 1000mA bajo condiciones óptimas de temperatura carga hasta 5W. El OnePuck está diseñado para almacenar la energía utilizándola para la cargar la batería del teléfono en lotes. 


Epifanía Labs es un grupo formado por técnicos y profesionales de negocios que les apasiónan todo lo que tengan que ver con  las nuevas tecnologías habiendo logrado financiación para el desarrollo de programas de purificación de aguas y producción de energía solar.



 

El segundo prototipo es un ingenioso sistema que reutiliza botellas de plástico y el vapor generado por el calor que disipa líquidos calientes, para producir energía con la que cargar teléfonos moviles en lugares donde el acceso a la redes de distribución de electricidad. 


El proyecto en fase de financiación parte de la iniciativa de un grupo de diseñadores en Nairobi, Kenia, el Bottle Charger como lo han bautizado solo precisa añadir agua hirviendo, cuyo calor acciona Blackbeard Unidirectional Constant Turbine (B.U.C.T.) que genera electricidad a partir de la oscilación de temperatura. El modulo B.U.C.T. viene con una batería de iones de litio 1800mAh que se puede cargar directamente desde una toma de corriente USB de su ordenador o al laptop. 

Esta tecnología ha sido desarrollada en asociación con OceanLinx, una  compañía australiana, que aprovecha la circulación de las olas del mar para generar electricidad, fruto de la combinación de la energía cinética
 que generan las partículas de agua. El devenir de las olas provoca que las partículas de agua oscilen en trayectorias elípticas.

El Bottle Charger con una capacidad de 20 litros produce electricidad a partir de  la temperatura de ebullición 100 grados. Esto le permite cargar dispositivos basados ​​en la microelectrónica (reproductores MP3, unidades GPS, cámaras digitales, teléfonos inteligentes, etc) en periodos de tiempo de 15-30 minutos dependiendo de ciertas condiciones climatológicas.


Nicola Bolla, esculturas de cristal como metáfora de una sociedad en conflicto


Inspirado por Marcel Dunchamp, el diseñador italiano Nicola Bolla utiliza como materia prima de sus esculturas el cristal, una diversidad de objetos de uso cotidiano. Con los que crea reproducciones de objetos tan míticos y a la vez tan siniestros. 

Como el ¨celebre¨ rifle de asalto AK-47. En este caso el material para su creacion es más refinado pués está hecho enteramente con cristales de Swarovsk. 

En otra pieza titulada Restos de un Osario se trata de un cofre con calaveras en la tapa, cuya visión te remite inmediatamente a la obra del siempre artista excentrico Damian Hirst. Obras con las que ofrece una narrativa en el que hace referencia a contextos violentos, tales como batallas o epidemias. 

Un enfoque directo y desafiante a las ideas sobre la existencia. Su trabajo pone en tela de juicio nuestra conducta y sus motivaciones. Además de nuestras convicciones acerca de los límites que el deseo y el miedo nos limita.


 

Djuric Tardio Architectes - Helsinki library, una biblioteca con sauna que obedece al paisaje de la ciudad



Helsinki, la capital de Finlandia se distingue por presentar unas condiciones climatológicas muy exigentes, inviernos largos donde las temperaturas no suelen superar los cero grados


Le sucede periodos mas benignos donde la sensación térmica es mas favorable, debido a que las horas de luz aumentan. Lo que se traduce en una arquitectura adaptada a los rigores del clima donde lo practico y funcional se impone a lo estético.

El estudio de arquitectura francés Djuric Tardio Architectes a través de su candidatura para la construcción de la nueva biblioteca de la ciudad, ha desarrollado un proyecto donde empezando por la selección de los de construcción y finalizando por el tratamiento de los volúmenes del complejo.  

Rompe con el paisaje urbanístico compuesto por una sucesión de edificios de mediana altura, dispuestos urbanisticamente en manzanas. El proyecto de esta forma es concebido como un organismo vivo que interactúa con su entorno para aprovechar al máximo los recursos que este le ofrece.

Por eso en el diseño del conjunto de edificios, la prioridad es su habitabilidad, para eso la cubierta se presenta como un espacio ajardinado y por lo tanto dinámico. Cubierto a modo de invernadero cohabita con la sauna tradicional tan popular en los paises nórdicos.

El conjunto socio cultural esta compuesto por seis cuerpos donde la linea curva hila cada volumen, sustituyendo al ángulo recto. Construido enteramente en madera cuenta con un celosía que protege a la estructura principal de las inclemencias del tiempo, además de ser el referente visual de su presencia.


La parte principal de la construcción es la biblioteca, un espacio que se percibe como una espiral, una doble rampa concéntrica gira alrededor de la torre de libros. El proyecto revisa la experiencia de la lectura, una vuelta a los libros como fuentes de conocimiento, que combina los volúmenes en letra impresa con los medios digitales y dispositivos electrónicos. 

Situada en una plaza abierta a la ciudad, todos los accesos a la biblioteca y servicios son claramente visibles a simple vista. Tanto la recepción, como el bar, el auto-servicio, o el acceso a los estantes de libros, así como la zona infantil y la sala multifuncional, además del cine, los restaurantes y sus terrazas exteriores se organizan como un único espacio común.




Nicola Verlato, el imaginario renacentista actualizado


Los maestros renacentistas debido a la escasez de medios tuvieron como referente estético el arte griego, del que aplicaron muchas de sus características el tratamiento de la figura humana era fundamental, la obstentación  de sus gestos era lo que expresivamente dotaba a su pintura de movimiento y el elemento narrativo a partir del que se estructuraba sus composiciones pictóricas.

El artista italiano Nicola Verlato con sede actualmente en Los Angeles tras una breve instancia en New York, aplica los mismos recursos conceptuales en sus obras pero en su caso el componente alegórico adopta una naturaleza visual contemporánea. 

En sus óleos se describe el choque de culturas entre monoteísmo y politeísmo a lo largo de la historia humana, una batalla que el artista considere que está en las raíces mismas del desarrollo de la civilización occidental. En palabras de Verlato: "el arte figurativo está intrínsecamente relacionado con una actitud politeísta (culto de los ídolos), mientras que el monoteísta prohibe ídolos, como está escrito en la Biblia. Monoteísmo ganó claramente en la mayoría de aspectos de la cultura occidental, pero el politeísmo todavía sobrevive en la cultura pop.


Natural de Verona fue un artista precoz que a los siete años ya dominaba varios estilos, aparte de la pintura también recibió una formación musical que completo con sus estudios de arquitectura en Venecia.  Durante este período en Venecia trabajó en casi todo lo que estaba relacionado con el dibujo: la escenografía, la decoración temporales, ilustraciones, comics, etc storyboard, elementos con los que ha conseguido crear un estilo propio.

Damien Chivialle - UFU (Urban Farm Units)

En un mundo cambiante en el que cualquier cosa parece posible y cuyo futuro parece difícil de predecir, en un contexto social, económico y tecnológico volátil y por definir, el diseño combinado con herramientas de cultivo alternativo en el ámbito urbano se esta  convirtiendo en uno de los fenómenos emergentes, con una proyección social y económica que revierte positivamente sobre los miembros de las comunidades mejorando sus habitos de consumo a través de su implicación directa en el proceso de cultivo y elaboración del producto.


El diseño de UFU (Urban Farm Units) propone abordar estas cuestiones de carácter prospectivo a través de la utilización de elementos arquitectónicos modulares que faciliten la proximidad y el desarrollo de actividades horticolas en entornos desfavorables.

Creado por el diseñador francés Damien Chivialle los UFU son unidades agrícolas que están formados por un invernadero en la parte superior de un contenedor que alberga un acuario con peces. Su agua y las heces se transforman en fertilizantes con los que se nutren los diferentes cultivos, que a su vez purifica el agua, que se devuelve al acuario, reiniciando el ciclo. 

Desde que se creo en 2.010 UFU se ha exhibido en París, Lisboa, Zúrich y Bruselas. Pudiéndose visitar desde el 24 de febrero en el Grote Markt (mercado general) en la localidad de  Levuen, Bélgica, como parte de la programación del ArtefAct Festival.

Un generador transforma el metano de una parte de los residuos acuíferos en energía alimentado un generador alternativo. en el caso de la instalación de varios recipientes, uno se puede imaginar el llenado de una planta de biogás para recoger y reciclar los residuos orgánicos. cada estructura está diseñada con componentes estándar: cultivos hidropónicos, un invernadero industrial, andamios, y un recipiente abierto por la parte superior, todo ello destinado a ser escalable y evolutivo.

El resultado: es una granja pop-up del tamaño de una plaza de aparcamiento totalmente autónoma, que modifica los habitos de consumo ofreciendo productos de primera calidad y cosechados con criterios ecológicos. Esto se consigue gracias a las nuevas tecnologías relacionadas con la acuaponia y la micro-metanización, que permiten obtener muy buenos rendimientos en un área muy pequeña.

 

Michael Owen - Baltimore Love Project, un lenguaje sencillo y directo para crear un mensaje positivo y universal



Quizás una de las primeras palabras que el ser humano represento graficamente fue el termino amor,  habiendo adoptado infinitas formas a lo largo de la dilatada historia de la humanidad, no presentando sustanciales diferencias independientemente de la época y el contexto histórico que se analice. 

Recogiendo esta tradición el artista con sede en la ciudad norteamericana de Baltimore Michael Owen see le ocurrió la idea de elaborar un mural en el que se reprodujera en diferentes puntos de la ciudad esta mitificada palabra. La cuál representó bajo una diversidad de enfoques graficos.

El proyecto Baltimore Love Project es fruto de la colaboración con las entidades y comunidades locales, para la creación de una tipografía especifica que tradujera los cuatro fonemas que hay contenido en el término love (amor).



Los cuatro símbolos producto de la combinación de cultura rapera y símbolos universales como el de la paz, han sido representados una veintena de veces desde que se inicio el proyecto en 2.010.


Michael Owen después de haber vivido en Seattle, Cleveland y Orlando, Michael se mudó a Baltimore para asistir Maryland Institute College of Art. En ciudad en la que realiza sus primeras intervenciones como artista urbano.


Desde que recibió su BFA en 2004, Michael ha estado realizando intervenciones con las que ha tenido la oportunidad de recorrer buena parte de los Estados Unidos, siendo seleccionado como ponente por la iniciativa TED. En la que ha intervenido con una ponencia en la que el tema central giraba alrededor del espacio publico como medio expresivo y su rendimiento creativo, así como su potencial comunicativo y reflexivo.