Victor Enrich - NHDK, las mil posiciones de un edificio

Construido en 1.920 el actual  NH München Deutscher Kaiser, es un imponente edificio construido bajo los parámetros del más ortodoxo e incipiente Brutalismo de la epoca. Un movimiento resultado de una revolución y su idiologia.

Y que serviría de ejemplo y molde de lo que en las siguientes decadas, sería una de las corrientes arquitectónicas más notables e influyentes del Siglo XX. Cuyas remiscencias han llegado hasta nuestro dias, y que se puede observar en multitud de proyectos actuales.

Un edificio emblemático que quizás por estar ubicado en un lugar privilegiado, sus instalaciones lejos de ser abandonados convirtiéndose en un territorio a explorar por los amantes del Urbex. Se siguen dedicándose a la actividad hotelera. Remodelado en varias ocasiones la ultima muy reciente en 2.008. 

Es uno de los establecimientos de hospedaje mas importantes de la capital bavara. Realizada por el fotógrafo con sede en Barcelona Victor Enrich, la serie de fotografías titulada NHDK reinterpreta la estructura del edificio redibujando el paisaje donde se ubica.


Compuesta por 88 tomas las cuales fueron realizadas desde diferentes ángulos y en diferentes franjas horaria. Las casi infinitas formas en que se representa la arquitectura original, fantasea con la posibilidad de la existencia de una idea utópica que prácticamente ha desaparecido.

Por la que algunos espacios de edificios tan emblemáticos poseen la habilidad de metamorfosean en función de nuestra imaginación o deseo. De que pasen desapercibidos salvo la esencia de una época de continuos y abruptos cambios, que propiciaron fachadas tan solidas a la vez que simbolicas.

Tomadas a lo largo de 2.013. NHDK es el ultimo trabajo de Victor, el cual se inicia en 2.005 con la serie dedicada al skyline de New York. Serie de capturas a través de las que representa su majestuosidad figurando entre sus edificios mas representativos las desaparecidas torres gemelas.




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Ensancha el Huerto, educación y ecología en la ciudad

Con el objetivo de recuperar los usos tradicionales de la agricultura, en el ámbito urbano. Un grupo de veinte personal pusieron en marcha el proyecto Ensancha el Huerto.

Ubicado en una parcela en las afueras de la localidad Alcorcon  del sur de Madrid en España. Ensancha el Huerto esta compuesto por un grupo variopinto de personas, se trata de una iniciativa popular que a partir del trabajo comunitario y autonomía revaloriza terrenos hasta ese momento en estado de abandono.

Dividido en diferentes áreas su diseño y construcción se ha realizado con materiales procedentes de reciclaje. Contando con una compostera con la que se produce abono a partir de los deshechos orgánicos aportados por los propios participantes. 

Una de las principales características de Ensancha el Huerto, es el énfasis en la realización de actividades orientadas a la educación en valores ecológicos. Por eso las actividades que desarrollan están realizadas en un contexto lúdico y cuyo objetivo es fomentar la autonomía entre sus miembros.

Enmarcado en un paisaje donde predominan los nuevos desarrollos urbanísticos Ensancha el Huerto, es un proyecto que desde sus inicios a principios de 2.013. Han conseguido implicar a los vecinos de la comunidad donde opera. Aplicando herramientas de código abierto donde las decisiones se toman desde la solidaridad y el debate de las diferentes propuestas por todos sus miembros.

Ensancha el Huerto from Veni on Vimeo.

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Evan Holm - Sumerged Turntables


Un paisaje artificial en el que se reproduce un pequeño edén. De fondo una banda sonora que surge del fondo de un estanque.

Reproduce lo que a juicio de su autor el artista Evan Holm, lo que son las condiciones primigenias a las que debería la vida. Un planteamiento cuya frontera difusa linda con la del deseo de regresar a un estado inicial.

Titulada Sumerged Turntables. Un estanque cuyo fondo oscuro negro, representa la pérdida, el misterio y el subconsciente colectivo de la raza humana. Mediante la colocación de estos registros por debajo de la superficie representa la nostalgia de un mundo que se ha perdido. 


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Romolo Stanco - e-QBO, un cubo solar inmersivo que actúa como un vestigio de memoria


Situado en el centro de un plaza céntrica de Milan, la instalación e-QBO es a ojos del espectador que se aproxima ella. Ya sea de forma deliberada o en otro sentido de forma casual.

Una instalación de arte moderno con la que interactuar en el primer caso, o una atracción puesta en el espacio espacio con un propósito ludico. Diseñada y ejecutada por el artista Remolo Stanco, cuya práctica le podría situar en la vanguardia del arte contemporaneo.

Es cuando te aproximas a una de las caras digitalizada de este cubo monolítico. Cuando comienzas a comprender su naturaleza y función. Te percatas de que de su aparente aspecto sólido formado por sus planchas de acero, emergen diferentes proyecciones digitalidas. 


Imágenes que comparten espacio con células fotovoltaicas, a partir de las que la energía con la que se cubre las necesidades de este. Creada por el diseñador en colaboración con la compañía de telecomunicaciones TRED.


El cubo aparte de su valor estético es un centro de comunicaciones integrado en sus tripas. Cuyo elevado consumo de energía es cubierto de forma autónoma por las placas solares con las que esta envuelto.


Aparte del acumulador fotovoltaico diseñado e integrado en una forma geométrica cubica. La instalacion acaba capturando toda la atención de su entorno. Creando un diálogo con los edificios históricos de la ciudad y su memoria. 

El cubo e-QBO cuenta con una instalación compuesta por diodos LED, que dibujan visuales patrones de luz con los que iluminan el espacio publico creando divertidos mapeados de su entorno. En un sentido poético el cubo e-QBO, se comporta como una isla urbana de acumulación de energía de origen renovable. 

Su constitución solida cobra vía saliendo de su letargo, a través de la actividad interactiva con la que atiende las necesidades de comunicación de sus usuarios, a la vez que contribuye a la riqueza estética de donde esta ubicado.




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Carlo Bontempi - Masone Labirinto Della


Los dos únicos laberintos que se conservan en Italia, situados en villa en Valsanzibio, que data de mediados del siglo XVII, y el otro está en Villa Pisani siendo creado creado en torno a 1720.

Situado en las afuera de la localidad de Parma. El recientemente inaugurado laberinto de Masone Labirinto Della, es un dédalo que ocupa una superficie de mas de 16.000 metros cuadrados, lo que le convierte en uno de los mas extensos del mundo. Aunque hay que precisar que estas descomunales medidas además abarcan una biblioteca y una pinacoteca.

Donde se exhibe la colección del precursor y responsable del diseño, el editor italiano Franco Maria Ricci. Quien ha contado contado con la colaboración del arquitecto Carlo Bontempi, y que tras ocho años de construcción ha visto finalizada un obra, cuyo conjunto arquitectónico y valor estético y paisajístico le confiere un valor incalculable.

No solamente por el patrimonio cultural que atesora, sino por las mas de ciento veinte mil  variedades de especies de vegetales pertenecientes a la flora local. Que el visitante podrá reconocer, recorriendo este callejero de intrincados pasadizos arropados por setos formados por hileras interminables de bambú. 


Cuya variedad ha sido seleccionada en origen por el propio autor, en uno de sus numerosos viajes por el sureste asiático. Y que por sus características mejor se adapta a las condiciones climatológicas, siendo el mas adecuado para cultivar en terrenos ricos en nutrientes, que conserva bien su humedad como son los del valle del Po.

Para su diseño tanto Franco como Carlo optaron por implementar un diseño basado en el modelo del laberinto romano, que se caracteriza por un patrón de geometrías cuadrangulares y ángulos rectos. Cuyos diferentes trazados desembocan en una gran plaza central rodeada por edificios.

Como en todos los laberintos el de Masone Labirinto Della, posee una fuerte carga simbólica y significado místico. Representando cada una de las áreas de este edén representan un viaje iniciatico por la vida, en el que la iluminación alumbra a la ignorancia a través de la adquisición de conocimiento. 

Sabiduría que se obtiene mientras se recorre sus trazados y sus innumerables formas. Y cuyas algunas de sus pistas se pueden consultar a través de la literatura, en concreto consultando la obra de Jorge Luis Borges. O el volumen donde se recoge las motivaciones y antecedentes que fueron el embrión de lo que posteriormente seria Masone Labirinto Della y cuyo prologo es autoría del escritor Umberto Eco.


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Universal Everything - Walking City, materia inteligente en proceso de autoconstruccion


La inercia del movimiento produce por defecto en aquel que se desplaza una transformación que acumula a cada paso. Contribuyendo a la formación de su identidad. Aunque puede puede parecer una afirmación con tan poco fundamento como descabellada.

 
Es lo que de alguna forma puedes percibir cuando prestando atención observas todos y cada uno de los fotogramas que protagoniza, un bloque de cemento. El que según van caminando se va transformando adquiriendo una fisionimia a la de un ser humano.   

Inspirado por el movimiento arquitectónico Archigram, cuya actividad se remonta a la década de los años 60´s en la ciudad de Londres, donde se convierten en lo más vanguardista de la epoca, marcando los primero antecedentes de un movimiento.


Influenciado por la arquitectura biomórfica y el trabajo de arquitectas como Zaha Hadid, nuestro edificio minimalista andante cambia su forma, patrones y forma geométrica. Contra un fondo blanco, el enfoque está en la evolución material y la formación de su propio tipo de narrativa.


Que aunque minoritario ha logrado que parte de su legado estético y visual, de alguna forma se vea reflejado en el corto titulado Walking City, que podéis ver AQUI. Una animación que utiliza como metáfora la de un "sujeto ciborg" que se mimetiza con su entorno modificandolo con los residuos que genera su herencia tecnológica.

Creada por el estudio Universal Everything, se trata de una animación creada utilizando software digital. Su acción nos revela el proceso de evolución estructural de la arquitectura y como se modifican las materias y sus texturas debido al conocimiento aplicado y su significado.



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E-Volo el primer volocopter eléctrico del mundo


El helicóptero como medio de transporte desde que los primeros modelos entraron en funcionamiento, ha sido un medio de transporte secundario. Cuya actividad se limita en gran medida a usos civiles.

Si su uso no esta mas extendido es entre otras causas, por su elevado consumo de combustible, y su nula capacidad para recorrer grandes distancias. Desarrollado por un equipo de ingenieros aeronáuticos entusiastas del helicóptero. El E-Volo es el primer prototipo cuyo funcionamiento es totalmente eléctrico.

Dirigidos por Thomas Senkel, Alexander Zosel y Stephan Wolf. Este primer prototipo cuyos únicos se remontan a cinco años atrás, ha sido galardonado con el primer premio en el concurso Lindbergh. Certamen organizado por la Fundación Lindbergh y cuya labor se centra en estimular la innovación, y promover avances significativos en la aviación sostenible.

El proyecto en el que se lleva invertido 2.000.000 millones de euros, ha dado un paso importantísimo con el diseño del modelo VC200. Al contrario que su antecesor el VC-1, realizado a pequeña escala siendo dirigido por control remoto por un operario desde tierra.

El VC-200, es un volocopter (como lo denominan sus creadores) es un vehículo compacto y autumatizado con capacidad para dos pasajeros. En cuyo primeros vuelos de prueba ha alcanzado los cien kilómetros de velocidad y los 6.500 pies de altura, consumiendo hasta un cincuenta por ciento menos que un aparato de combustible.

Equipado con un sistema de control automatizado, el piloto ya no tiene que preocuparse por las condiciones de vuelo. Siendo controlado a través de un ordenador de a bordo que trabaja en coordinación con los numerosos sensores de alta tecnología, que determinan su posición y las condiciones de vuelo.




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Zonenkinder - The Tree Project, arboles creativos que humanizan nuestras relaciones con la naturaleza


Pese a la aparente pasividad de los arboles. Si te acercas puedes darte cuenta de la enorme actividad que supone para su entorno, y de las muchas y diferentes especies tanto de flora como de fauna que dependen de su actividad.

Realizadas desde 2.006 el proyecto artístico ejecutado por el estudio de arte Zonenkinder. Pretende humanizar el entorno natural a través del arte. Las tallas cuya localización se encuentran en diferentes bosques situados en países europeos, actúan como totems que enriquecen el paisaje y la diversidad de  ecosistemas que existen en Europa.

El proyecto The Tree Project, reune un conjunto de esculturas y tallas donde la expresividad provocan diferentes reacciones emocionales, creando una complicidad con el espectador que se identifica estéticamente con la representación que contempla. 


Abordando el entorno natural como un espacio creativo piezas con las que reflexionan sobre una diversidad de temas en los que  vinculan la naturaleza e identidad y, por ende, sobre nuestras relaciones Animal-Humano explora cuestiones como el consumismo y  de como afecta a la naturaleza. 



Fundado Berlin en 2003 por la pareja de artistas Carolin & Philip, sus árboles turnando son producto sin embargo de una paradoja estilística. Ya  que a pesar de que sus  intervenciones tienen el espacio natural como campo de  acción sus raíces y referentes creativos estan en referentes como la cultura del hip hop, el graffiti, el arte urbano, el punk, el anime o el Pop Art.


Desde los años noventa han participado en la cultura del graffiti y el tecno, y se encuentran entre los pioneros del graffiti narrativo figurativo y el arte urbano en Alemania. Tras trasladarse a Hamburgo ciudad en la que finalmente se han instalando, implicando en movimientos activistas en las que la expresión urbana tiene como objetivo crear conciencia social.

Realizadas en una variedad de superficies como lienzos y fachadas con las que construyen pinturas narrativas figurativas, esculturas e instalaciones al aire libre con las  que han creado su propio lenguaje. Su trabajo de estudio se centra en reflejar el impacto de la vida humana en la naturaleza, y cuestiones sociológicas vinculadas a nuestro estilo de vida y los efectos en relación a la crisis climática así como la explotación animal por la que exterminan millones de animales en mataderos gestionados por la industria carnica.


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Jon Burgerman - Head Shots, las infinitas versiones de la muerte del chico del plumón amarillo


El siempre controvertido artista urbano Jon Burgerman, utiliza los soportes publicitarios que forman parte del mobiliario urbano como medio de expresión colectiva.

Si en el proyecto  Korean Subway, el objeto empleado eran los cientos de miles de usuarios del metro de Seul. Que seleccionados al azar, se convertían en modelos parciales de unas peculiares caricaturas, las cuales se incorporaron en clave de ficción a las vallas publicitarias distribuidas a lo largo de la red del suburbano.

Realizadas con una técnica mixta las fotografías comparten el marco expresivo con la incorporación de dibujos cuyos motivos utiliza, para realizar una crítica narrativamente activista  de una sociedad cada vez más deshumanizada y narcotizada por los patrones basados en la ficcion. Algo que nos abstrae de la realidad.


Planteamiento que se observa en la serie titulada Head Shots, en la que Jon roba el 
protagonismo de las estrellas de cine que anuncian los últimos estrenos cinematográficos. Las película escogidas pertenecientes al genero de la acción se combinan con las fotografías donde su autor se convierte en parte del argumento.


Este proyecto rápidamente se ha hecho viralhaciendose eco numerosas publicaciones tanto impresos como los de ámbito digital, debido a lo descarnado de la violencia gratuita que transmiten  todas y cada una de las  imagenes.

El efecto que consigue con cada instantánea es dramático e impactante a primera vista. Intervenciones de corte Pulp que golpean directamente sobre los sentidos del espectador de forma contundente y explicita, modificando su percepción sobre la ficción a la que de forma constante esta expuesto.



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Maya Onoda - Kaleidoscope, el paso del tiempo y sus rituales

En Kaleidoscope, colección exhibida en la  Magnan Metz Gallery de New York  en 2.012. Su autora Maya Onoda reproduce a nivel celular la materia a partir de la que esta formada la vida.

Para eso utiliza papel que convierte en un ente orgánico con capacidad evolutiva, el cual se proyecta en el espacio adoptando las mas caprichosas formas. Las instalaciones troqueladas permanecen inertes ante los ojos del espectador transmitiéndole su fragilidad.

La obra de la artista japones Maya Onoda, invoca a lo esencial sugiriendo formas de organización con las que relacionarse en un ambiente conocido. Estructuras a través de las que describen visualmente el funcionamiento de mecanismos naturales.



Maya Onoda es una artista nacida en Japón que se traslada a California donde tras formarse y licenciarse en Bellas Artes por la Universidad Estatal de de Fullerton. Se instala en New York para completar su currículum académico con un máster en Bellas Artes en el Instituto Pratt de Brooklyn. 


El conjunto de obras que forman parte de su tercera exposición individual Caleidoscopio, exploraban la transformación de la vida cotidiana en arte a través del uso materiales que parten de un origen biológico como el papel. 


Inspiradas en actos tan cotidiano como es el del ritual de tomar un café, la instalación realizada con papel shoji entrelazado y manchado ligeramente con los posos de café. Reúne los mecanismos que emula al proceso de cortar papel convirtiendolo en un bucle infinito, transformación que se produce siempre dentro de esta repetición al cambiar la propia perspectiva. Al igual que un caleidoscopio, la obra de Onoda cuenta una historia diferente con cada transformación y se convierte en una la historia interminable.


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River Of Herbs, naturalizando Amsterdam para que las abejas vuelvan a polinizar


Uno de los temas  que desde el punto de vista ecológico que mas alarma ha causado el año pasado. Y que más han sido tratados en términos mediáticos desde una diversidad de medios de comunicacion.

Tanto por publicaciones de ámbito general como por publicaciones más especializadas en temas de divulgación científica o conservacion. Ha sido la disminución sin causa aparente de los censos de abejas, con la consecuente reducción de la polinización.

Cuya consecuencia más directa y perceptible supone que cada vez más extensión de territorio. Este sometido a un estrés debido a la falta de polinización por lo que la masa forestal y agrícola se pierde de forma drastica.


River Of Herbs es una iniciativa que a partir de la realización de plantaciones colectivas de diferentes cultivos, pretende colonizar las riberas de los canales y veredas de la ciudad de Amsterdan

Con el doble objetivo de incentivar el cultivo urbano y crear las condiciones óptimas para que las colonias de insectos locales polinicen nuevas áreas de la ciudad Garantizando que se puede recuperar el equilibrio medio-ambiental.


Este pasillo verde e un proyecto promovido por la organización Urban Herbology. Un colectivo que trabaja en el desarrollo de proyectos en el ámbito de la agricultura urbana, realizando diferentes actividades en las que participan todo tipo de publico. 

Talleres, cursos, plantaciones, actividades de índole cultural. Mediante las que fomentan la agricultura urbana y el seguir unas pautas de alimentación equilibradas, entre los miembros que colaboran en sus propuestas.

La convocatoria que ha obtenido una respuesta que ha superado las mejores expectativas, se escenifica a través de un mapa (que podéis consultar aquí). Una red donde están localizados el conjunto de los huertos.

Los cuales debido a la gran demanda observada, se han dividido por parcelas, asignando a cada huerto un cultivo especifico. Diversificando de esta forma la selección de especies cultivadas.

Iniciada en 2.012 el río de hierbas pretende ser un corredor de vida silvestre,  vinculando este corredor compuesto por hierbas aromáticas y especias. abarcando la practica totalidad de los distritos de Amsterdam. Lo que supone un impacto positivo para su población, cuya acción contribuye a la sostenibilidad de su entorno.



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Kalhöfer-Korschildgen - Moving Icon


Algo tan cercano y próximo como la arquitectura, quizás debido a su omnipresencia en nuestra cotidianidad suele pasar desapercibidas. Por lo que solemos mostrarnos indiferentes ante su historia.

Inspirando en las tipologías presentes en la arquitectura local. El estudio de arquitectura Kalhöfer-Korschildgen ha diseñado un remolque itinerante de exhibición. El proyecto del que forma parte como accesorio circulante de información, denominado Moving Icon, la iniciativa institucional tiene como objetivo dar a conocer las características de la arquitectura local. 

El pabellón modular se compone de una unidad modular fabricada en fibra de vidrio. Su diseño se compone de una unidad cubica que se completa con un techo a dos aguas reflejo de lo que habitualmente se pueden ver en la región alemana de Westfalia.

El pabellón equipado con una solución renovable siendo autónomo en términos energéticos. Cuenta con un sistema digital de información que facilita la confección de los contenidos que se ofrecen, en función del lugar donde se realiza la exposición. Las paredes exteriores del pabellón se convierten en pizarras digitales con las que los visitantes pueden interactuar buscando y añadiendo información.

Moving Icon es una unidad de información nómada cuyo diseño compacto y modular,  permite diferentes configuraciones. Que se convierte en eje de transmisión del legado cultural de la comunidad donde opera y su herencia arquitectónica.


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Numen/For Use - String Prototype, orientandose dentro de un cubo que simula el espacio


Pese a la frenética actividad del estudio de diseño y vanguardia urbana Numen/For Use, y a la contrastada calidad de sus proyectos. Algo que se puede constatar revisando alguno de los proyectos que forman parte de su extenso y variado portfolio.

Hacia mucho que no nos sorprendían, algo que por otro parte y conociendo su trayectoria se nos antoja osado. Pero con su ultima instalación titulada String Prototype, han conseguido de nuevo elevar su listón creativo. Ofreciéndonos participar en una propuesta inmersiva a través de la que podemos poner a prueba nuestras hanilidades espas¡ciales. 

Añadiendo a sus característicos volúmenes inflables. Un andamiaje interior formado por cables rígidos. El cual como usuarios utilizamos para recorrer el espacio interior aislado del interior, tratando de perder el equilibrio ayudándonos de los cordones que están tendidos a modo de guia.


Estos cables que cruzan en ambos sentidos el plano interior permiten recorrer la totalidad del recinto acolchado, que en esta ocasión es un cubo de grandes dimensiones. Por cuyo interior el usuario camina sin la necesidad de apoyarse en las paredes del cubo que las mantiene rígidas. 


Suponiendo una experiencia en la que el usuario explora el espacio prescindiendo de los elementos arquitectónicos con los que habitualmente se relaciona.

Realizada para una exhibición organizada en la ciudad de Viena en Diciembre de 2013, String Prototype propone como en otros muchos proyectos de sus autores. El estudio de los efectos que produce el entorno sobre el individuo y de su capacidad de adaptación tras un periodo de aprendizaje.



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Martin Vargic realiza un mapa-mundi de marcas


En una sociedad instalada en el estrés e intoxicada por el ruido mediatico, donde la identidad nacional esta siendo sustituida por el nick de la red social y del grupo de seguidores o amigos con los que te relacionas. O la imagen corporativa de una marca comercial. 

Y donde por lo tanto las fronteras geograficas que delimitan realidades socio-politico y administrativas se diluyen, debido fundamentalmente a ese fenómeno que desde diferentes ámbitos se ha denominado globalizacion. 

La serie creada por el diseñador Martin Vargic, supone un fiel reflejo de la reflexión expuesta más arriba, y que visualmente se la imagina. Como un mapa en el que las banderas tradicionales pasan a ser reliquias del pasado.


Vinculando los nombres de marcas comerciales iconica y familiares para todos. Sustituyendo a la denominación geográfica del país, y conirtiendo su territorio en poco más o menos que en una franquicia de una reconocida marca textil, distribuidora de alimento o fabricante de tecnologia.

Perspectiva e interpretación que desde un contexto teóricamente inverosimil, nos acerca a escenarios ficticios, donde sus habitantes modifican su status e identidad. En este caso en función de criterios puramente y estrictamente comerciales.

Utilizando material de representación cartográfica. Como viejos mapas extraídos del archivo de National Geographic, Martin sustituye los nombres de los países usando una jerarquía de marcas comerciales. Asignando las marcas en función de su volumen económico y presencia mediatica en el área geográfica donde opera.



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