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Swoon el arte como elemento transformador del espíritu humano


Puede una obra de arte adquirir una narrativa interpretativa similar a la que se puede ver en una obra cinematográfica, aplicando la estructura de comienzo, nudo y desenlace. Se trata sin duda de un planteamiento sugerente y sugestivo pero que lamentablemente sí exceptuamos la vídeo instalaciones de artistas visuales como Bill Viola


La percepción que tiene el público en general sobre el discurso tanto  estetico como conceptual que debe concurrir para que una pieza de arte se pueda valorar en esos términos, suelen estar sujetos tanto normativamente como tradicionalmente a formas y modos que rara vez escapan a la ortodoxia. Quizas este recelo tenga con ver más con el espacio expositivo que con los valores y propiedades de la obra en sí. 


Pues aunque a estas alturas nadie le puede causar sorpresa, que ya no en una sala de un museo, sino en la de una galería de arte se programen periódicamente eventos donde se pasen algún reportaje o documental dedicados al arte. Cuyo planteamiento por lo tanto es meramente artístico, el público todavía habitual que asisten a espacios de exposición de obras plasticas, tienen interiorizado la idea de que se tratan de espacios destinados únicamente y exclusivamente a colgar lienzos u piezas escultóricas, mostrándose reicitente a que cometan casi un sacrilegio con un lugar que el como espectador no puede dejar de contemplar como continente cuyo diseño y uso está enfocado para alberga un determinado tipo de obras. 


Y es que aunque en los últimos cincuenta años han aflorado una casi infinita cantidad de propuestas que desde una diversidad artística han tratado, de hacer comprensible para un público que está acostumbrado al arte figurativo. Propuestas digamos más arriesgadas que tendieran puente entre las más actuales tendencias y vanguardias artisticas, fusionandolas con dinámicas creativas propias de una narrativa donde tanto la acción, como el movimiento y el sonido. 


Permitieran crear contenidos que analizados bajo la lupa de la crítica alcanzarán el mismo estatus de valoración entre los coleccionistas de arte, cuyo gusto y preferencias han preferido decantarse por propuestas más cosmopolitas y accesibles como el arte urbano o street art. Corrientes que sí parecen que tras mucho tiempo y empeño si han logrado seducir a los amantes de arte, incluso aquellos que por naturaleza solían rachazar de forma contundente una obra arte cuya gestación y realización tuviera como ámbito expositivo el espacio público. 

Gran parte de su arte está inspirado en personas que conoce y encuentros casuales que tiene


Finalmente se han sentido persuadidos sino fascinados por la práctica urbana, por lo que cada vez es más habitual tener noticias de obras que tras ser subastadas han alcanzado precios casi astronómicos. Quizás el que lenguaje cinematográfico compuesto por planos, contraplanos, secuencias... No posee las propiedades precisas para poder integrar la práctica artística tal como la conocemos, resultandonos cuando menos exótico que un artista visual que incorpora imágenes en movimiento pueda cautivarnos en los mismos terminos que un artista clásico. 


Aún así si explora el calendario de citas artisticas existen artistas que si tratan de ofrecerte una experiencia dramática similar a la que puedan dispensar un relizador de cine. No tanto en cuanto al formato sino más bien en cuanto a la génesis y  la representación final sobre el plano que se expone. Y también porque no en el proceso de creación, una fase que se suele obviar pero que implica un intervalo de tiempo, en el que tanto emocionalmente como intelectualmente se suceden una serie de contecimientos. 


Los que finalmente suelen desembocar constituyendo todos y cada uno de los matices que conformarán el resultado de cualquier obra. Una de las artistas que ha profundizado en este sentido ha sido la artista con base en el barrio New Yorkino de Brooklin, Caledonia Curry aunque firma bajo el seudónimo de Swoon, y de cuyo trabajo os hemos dado a  conocer algún proyecto como el conjunto escultórico que firmó en 2011. Titulado Submerged Motherlands, como en buena parte de las obras que firma la artista traza un vínculo emocional entre la consecución, en ésté caso de un arbol que representa la enésima denuncia que pone en evidencia la nefasta influencia del ser humano sobre la tierra. 


Mezcla de performance, animación,  pailoflexia, e instalación la instalación The House Our Family Built, nos describe un relato a partir del que recuperar nuestro legado familiar.


Si en esta recurre a una estética que parece extraída casi de un cuento tradicional, con la que sin duda la artista trata de crear una vía de comunicación que incida directamente sobre el lado más emotivo de aquel que repara en cada detalle de la obra. Elevando inmediatamente la empatia hacia el mensaje en este caso ecológico sobre el que Swoon trata de generar conciencia y solidaridad. 


Capacidad, la de la complicidad  sobre la que la artista a la perfección conoce todos y cada uno de sus códigos. Empleandolos con acierto bajo una diversidad de prismas, unas veces con más pedagogía y sutileza en el mensaje sobre el que desea dejar constancia en la retina de aquel que atraído por la acumulación de elementos metaboliza la obra en su conjunto tras dedicarle un momento más o menos largo de contemplación. Como si se encontrará inmerso en una ambientación decorada con motivos de origen Zen. 


Siendo otras de las cualidades de las obras de Swoon la de la inmersión, virtud difícil de integrar en una obra de arte pero que ella ha logrado a lo largo de su ya dilatada trayectoria, incorporandola como un desafío complementario a sus obras. Tobre todo en aquellas donde lo dramatico, lo íntimo y lo personal se encuentran en un cruce de caminos, obligandote  a despojarte de tus perjuicios y tus inhibiciones frente al contexto de la situación, ya sea de índole moral o social, sobre la que obra en cuestión. 


La instalación nómada The House Our Family Built, entreceje un relato social cuyo drama se exorcisa a través del arte


Se torna más visceral y contundente, retandote constantemente a sostener la mirada mientras te cuestionas como ser humano, como pueden existir otros congéneres de tu misma especie, que acaben optando por replicar conductas que en principio le son ajenas y sólo pueden acabar perjudicandole. Instalaciones que destacan por su dramatismo a la par que por pertenecer a la esfera de lo que se podría considerar íntimo. Temas excabrosos a los que Swoon añade altas dosis  de psicología, lo que atenúa el impacto de la obra. 


Introduciéndose poco a poco en una dialectica en la que de forma inconsciente se suscitan reflexiones que más o menos razonadas son provocadas por su vision. Instalaciones de corte íntimo como la titulada The House Our Family Built.  La cual se centra en  explorar el trauma y la adicción dentro del seno fmiliar, en una un collage compuesto por una serie de intrincados recortes de papel, murales pegados y cortos de animacion de stop-motion una historia que pertenece al ámbito personal naciendo del corazón y de la memoria de una niña que creció en la ciudad de Connecticut. 


Konbit Shelter se creo en 2010, en respuesta al terremoto de Haití destruyó decenas de miles de hogares


Dónde creció bajo la tutela de unos padres que presentaban antecedentes por consumo de estupefacientes. Degradante situación qué logro evitar gracias su abuela, una figura familiar determinante que la facilito que geminara en ella inquietudes creativas, gracias a las que a edad difícil como es la adolescencia fuera invitada a un centro de día donde asistían personas de la tercera edad, donde entre otras actividades había talleres de iniciación al arte. 


Una etapa de su vida muy personal con la Swoon trata no obstante lanzar un mensaje optimista de cara a las nuevas generaciones. Con ese objeto la instalación itinerante que se pudo ver en diferentes distritos de la ciudad de New York donde contó con la colaboración del artista Jeff Stark, ha estado de viaje durante buena parte del pasado año por buena parte de los Estados Unidos. 


Se despliega a lo largo de un contenedor de catorce metros de longitud, medida inusual pero con la que la artista consigue un enfoque extendido en una escultura móvil que se asoma con cierta indiscreción explicita al de la intimidad de la vida familiar.

 


Gracias a la práctica artística Swoon ha establecido un estrecho diálogo con el activismo como precursor a través del que solucionar conflictos, que exploran el poder de la creatividad como respuesta a las crisis causadas por desastres naturales, violencia estructural y adicción.



Realizada en colaboración con PBS American Portrait, The House Our Family Built transforma un camión de caja en una escena doméstica nomada compuesta por una cabina envuelta en papel tapiz estampado y un remolque abierto para revelar un ambiente similar al que se genera en una casa. Dentro del vehículo hay objetos sinónimos que te puedes encontrar en cualquier hogar, incluidas fotos enmarcadas,  juguetes para niños y mobiliario. 


Mientras que una cerca la separa el perímetro exterior de la escena que se esta desarrollando a escasos metros. Una familia encarnada por figuras caracterizan a sus diferentes miembros así como definen sus roles dentro del núcleo familiar.  Según la propia artista - el objetivo es que el espectador se identifique con el relato que ante sus ojos se está representando y que tome una postura frente a ello -. 


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En otro orden de cosas en la obra de Swoon existe un paralelismo entre su faceta como artista y su perfil como activista, lo que le ha llamado a poner en marcha proyectos comunitarios fuera de los espacios tradicionales de la galería. En 2015 fundó la Fundación Heliotropo para apoyar múltiples proyectos colaborativos que utilizan el arte como catalizador a través del que hablar sobre diferentes conflictos sociales. 

Se tratan de iniciativas que transforman el paisaje humano y social como el Refugio Konbit, un proyecto de construcción sostenible desarrollado tras el terremoto de 2010 que devastó Haití. Más cercano geograficamente el Music Box Village, se trataba de crear un entorno musical inmersivo construido para abordar el costo cultural del huracán Katrina mediante el fomento de colaboraciones entre la comunidad creativa de Nueva Orleans y artistas de todo el mundo. 

Con el objetivo de capacitar a grupos en riesgo de exclusión social Tiles Braddock, era un programa de capacitación en habilidades laborales dirigido principalmente a jóvenes locales que respondió a la desinversión y la crisis económica en la localidad de Braddock, Pensilvania. En 2020, después de la conclusión de Braddock Tiles, Heliotrope le propuso una colaboración a través del proyecto House Za'kiyah, reutilizando un edificio de tres pisos en Braddock para proporcionar viviendas a personas que salen de prisión o que se enfrentan otra crisis extrema.




Janaina Mello Landini, las posibilidades de conexión y su función en el espacio




Cuantas representaciones se puede realizar de la realidad a partir de aplicar un mismo modelo, que tipos de datos estadísticos, ya sean extraídos de baremos socioeconomicos, de parámetros de consumo, de movilidad, laborales, de acceso  a la cultura.... Etc?.  Pudiendose extraplolar sus resultados a un entorno visual como por ejemplo unas graficas o las cada vez más utilizadas infografías. 

Concepto que se ha hecho muy popular en la Red, extendiéndose de forma vertiginosa por Internet, hasta haberse convertido en un estándar que se emplea para describir casi cualquier cosa que te puedas imaginar. Desde las cosas más domésticas y triviales, hasta las más relevantes y precisas. Habiéndose creado toda una cultura que reduce a una sucesión de pictogramas cualquier tipo de dato en cualquier forma o contexto. 


El objetivo es sintetizar el máximo de información en el mínimo espacio, y que toda esa información sea lo más comprensible para el lector o el consumidor de este tipo de contenidos, proporcionándole un soporte riguroso del que poder extraer el sustrato informativo a partir de la cual el lector se pueda crear una imagen de la realidad que le circunda lo más objetiva posible. La cual facilitarle las cosas a la hora de obtener pautas de comportamiento y de toma de decisiones con las que poder orientarse en un entorno cada vez volatil. 

Pudiéndolo hacer como sujeto a través de un lenguaje más visual y muchas veces más inmediato e intuitivo. Resultado óptimo que no siempre se puede obtener accediendo a los formatos narrativos tradicionales. Debido a que como individuos nos informamos a través fundamentalmente de plataformas multimedia, donde utilizan la imagen como elemento principal a través del que transmitir la información, en decrimento de los medios escritos. 


Llegados a este punto sería preceptivo si a través de la práctica artística se puede describir la realidad. La respuesta por evidente y por antecedentes históricos tiene que ser necesariamente afirmativa. De hecho hasta entrados el siglo pasado el arte más allá de lo figurativo y estetico era una fuente de información a través de la que los más diversos artistas se convertían en reporteros de tanto los grandes acontecimientos como de la escena más mundana que sucedía a su alrededor. 


En el Ciclotrama (expansão) de 2019, la artista establece un vínculo entre el cielo y la tierra y sus ritmos 

Por eso en la actualidad la práctica artística es mucho más abstracta y simbolica, prescindiendo de todo oropel innecesario, desnudando la obra en ocasiones hasta dejarla desprovista de cualquier mensaje que se pueda catalogar como explícito, y abierto en todo caso a un amplio variado abanico de interpretaciones. Aún así hay artistas como la brasileña Janaina Mello Landini, que lleva más de diez años embarcada en un proyecto itinerante, por el que trata de describir a través de una serie de intervenciones los mas variopintos elementos de esta sociedad globalizada y cada vez más porosa. 


Donde las cifras resultado de millones de operaciones aritméticas realizadas por ordenadores que utilizan como lenguaje un código de ceros y unos lo representan casi todo. Cifras que la artista con sede en Sao Paulo trata de representar a través de instalaciones, que en un principio por la sencillez de sus materiales. 


En la mayoría de las ocasiones cuerdas más o menos anudadas, que le permiten modelar una realidad en la que las propiedades cuantitativas se imponen a las cualitativas. Por eso Janaina intenta comprender las características sistemáticas de los espacios de acción cosmopolitizados. 

Si lo haces entonces surgirá ante ti una serie de aspectos constitutivos de esa realidad que en una mayoría de ocasiones se camufla tras múltiples capas. Al explorar esas características hay que tener muy en cuenta que el concepto de espacios de acción cosmopolitizados está relacionado con la noción de metamorfosis del mundo.


Conceptualmente, un Ciclotrama es el resultado de un ciclo continuo y binario, una estructura esquemática con una característica jerárquica, compuesta de partes interdependientes. Término compuesto que proviene de la raíz “ciclo” y de la palabra latina “trama”, que significa tejido.


Para ello aplica una combinación de los conocimientos que adquirió en el transcurso de su formación superior, donde obtuvo su título como arquitecta en 1999 por la Universidad de Sao Paulo, al que añadió una diplomatura en arte en 2007. Un cocktail que fusiona con matrices matemáticas y ecuaciones físicas, convirtiendo su propuesta en una amalgama más propia del Renacimiento. 

Al menos en lo conceptual, porque en lo estetico es puro minimalismo. Y es que lo importante para Janaina es crear una familiaridad que permita la comprensión por parte del espectador de la obra, que más que contemplar tiene que diseccionar en función del espacio donde se exhibe. 

Pues las instalaciones en su mayoría apuntaladas a la pared o al techo de la institución donde se expone, de aspecto menudo y frágil, aunque en su elaboración pueda invertir la artista meses de preparación y documentacion. Supone en el fondo un análisis sociologico de una actividad más o menos próxima en el tiempo. 

Las cuerdas azules del Ciclotorama 122, trazan el universo de Facebook a través de sus millones de hipervinbculos

Cómo por ejemplo en la versión titulada Ciclotrama 112 (link), que data de 2019. Encargada por la popular red social. La instalación que ocupaba uno de los edificios del arquitecto Frank Gehry, y que en la actualidad es la sede de Facebook en Menlo Park, California. Esta instalación pretendia reflejar la estrecha relación que Facebook tiene con el termino LINK. 

Construyendo un sistema es un espacio virtual donde las personas reflejan los diferentes tipos de relaciones de "estar en el mundo", tanto a nivel individual como colectivo y sus infinitas interdependencia. El ciclotrama adquiere su poder más significativo al hablar directamente con el espacio arquitectónico siviendose de el. 

Tanto el Ciclotorama 80 en la parte de arriba, como el 78 y el 77 en el medio y abajo exploran las estructuras organicas

En otras ocasiones sin embargo se vuelve más introspectiva y endogena, describiendo lo orgánico que forman las vísceras y órganos de un ser vivo. O al menos una parte de él como puede ser el sistema circulatorio. Como queriendo trasladarse a lo esencial que nos constituye. De esta etapa se pueden mencionar obras como Ciclotorama 77 sobre lino azul de 2017. Su continuación Ciclotorama 78 que presenta el mismo patron salvo que el color de la obra que alcanza los dos metros es de cuerda color rojo. O el Ciclotorama numero 80 donde la cuerda en crudo carece de color

Descontruyen diferentes estructuras organicas que mas o menos se pueden identificar a simple vista, como los vasos, venas y arterias que vasculan el sistema circulatorio que se muestran en color rojo. Los alvéolos de la cavidad pulmonar por donde circula el oxígeno optando por el azul. O o el más neutro que bien podría reproducir las mil terminaciones de una raíz o quizás las cavidades de laberíntica madriguera. 


La artista aplica en cada instalación sus conocimientos en matemáticas y arquitectura para levantar con la sencillez de una cuerda un espacio complejo de estructuras moldeables a través de las que construye su propio relato de la realidad. 


Más reciente en el tiempo Janaina ha empezado añadir versiones a su proyecto Ciclotoramna, donde el rendimiento del espacio se evalúa desde un enfoque externo. Completando proyectos a mayor escala pero que sin embargo mantienen las mismas coordenadas que el resto de sus obras. Estructuras laberínticas interconectadas que por momentos guardan una relación próxima a la práctica de Land art. 

Un matiz rústico que se puede observar en intervenciones como Ciclotrama (flutuantes),  de 2018 que con unas dimensiones de 7m x 10m x 10m. Instalación eterea compuesta por un conjunto de seis modulos fabricados con tamaños variados, de postes metálicos e hilos. La idea principal de la artista es desarrollar el razonamiento de un dibujo espacial a través de la experiencia de la fuerza física y la tensión entre los cables. 


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En esta instalación esta idea se refuerza cuando los ciclotramas colocados al aire libre responden a la acción del viento. En última instancia, como un palíndromo, el trabajo oscila entre dos ideas, una idea entrópica relacionada con la desintegración del sistema y una idea sintrópica, convergiendo diferentes factores para equilibrar, esto refleja la organización universal del mundo.

En su serie conceptual el Ciclotorama 231 se funde con la tierra dibujado un diagrama ancestral 

Presentado en la cuarta edición del Circular Arte na Praça Adolpho Bloch celebrada en 2021. El Ciclotrama 231 se expande en esta ocasión sobre el suelo. La idea sobre la que gira trata sobre la ancestralidad, no la que nos distingue sino la que nos une a través de los "Haplogrupos" maternos reconocidos en nuestro ADN, que son capaces de rastrear los orígenes de los ancestros de la línea materna, hasta llegar al ancestro común hace aproximadamente 200.000 años. 




El estudio HEA diseña parques recuperando el paisaje original

Hay que realizar un enorme ejercicio de imaginación para  poder recorrer las calles de cualquier gran ciudad tratando de recuperar los paisajes primigeneos sobre los actualmente se levantan edificios que flanquean calles asfaltadas casi infinitas. 


Empresa que casi es una proeza si se carece de documentación o referencia alguna a partir de la que podamos reconstruir los parajes y bosques, que en alguno momento más o momentó más próximos en el tiempo. Contribuyeron a crear un entorno del que en la mayoría de los casos apenas queda algún vestigio perceptible. 


Cómo por ejemplo el cauce de un río o alguna elevación  que ha sido ajardinada teniendo en cuenta la composición de la cubierta vegetal original, herencia que ha sido sustituida en la mayoría de las ocasiones por zonas verdes que por lo tanto carecen del más mínimo vínculo con las características ancestrales del territorio. 


Creando pulmones verdes urbanos y equipamientos de ocio, cuyo diseño y ajardinamiento no son más que la consecuencia y visión reducida de una domésticacion del medio natural. Que tratamos de adaptar a nuestro entorno urbano con más o menos fortuna, dedicándole un espacio limitado donde poder arraigar y prosperar, y aplicando siempre rigurosamente  una cosmovisión y etocentrista

Vista general del Mangpo Park en Seoul

Zonas verdes y de ocio cuya planificación rara vez tienen en cuenta las características del paisaje original, obedeciendo su planificación a protocologos y ordenanzas municipales, pliego de condiciones o   promesas electorales. A través de las que se estiman cuantas hectáreas de suelo urbano hay que dedicar al arbolado en una área de la ciudad concreta sin tener en cuenta, en la mayoría de los proyectos otros criterios aparte de los demograficos. 


Pero como en todo hay excepciones, estudios dedicados al ajardinamiento y cuyos proyectos tienen en cuenta o al menos se preocupan, por realizar propuestas en las que tratan de armonizar el legado natural autóctono y los usos del espacio sobre el que se va actuar. 


Los proyectos paisajísticos y de ajardinamiento del estudio HEA, intervienen sobre el territorio urbano a pequeña y gran escala devolviéndole su identidad original en la medida de lo posible.


Uno de ellos es el estudio Subcoreano de HEA, que a pesar de su corta trayectoria. Pues el equipo formado por Jonghyun Baek y Daehee Kim con sede en Seoul, basa su enfoque en  crear experiencias espaciales únicas basadas en los valores presentes en el paisaje original y su herencia. 


Proyectos cuya raíz colaborativa incluyen urbanistas, arquitectos, diseñadores de exterior y otros profesionales relacionados con el diseños de áreas recreativas, zonas verdes y exteriores. Ofreciendo trabajos que incluyen el diseño paisajístico del territorio sobre el que se pretende intervenir, basados en modelos de regeneración urbana, y el análisis y documentación del paisaje ya extinto. 

En el nuevo parque de JochiwonLos se complementan los usos tradicionales con los culturales 

Que se plasman en proyectos como Mangpo Geulbitnuri Park, un parque comunitario planificado bajo criterios ecológicos ubicado en el distrito residencial de Mangpo en las afueras de Seúl. Finalizado en 2017 se trata de un espacio dedicado al ocio que incorpora áreas destinadas de parcelas agrícolas, cuya tipologia obedece a los arrozales tradicionales de los que ya apenas queda en la region. 


O en la reforma de una planta de purificación de aguas que tras estar operativa hasta 2013, quedo abandonada hasta que en 2018 se reabrió como parque urbano en la ciudad de Jochiwon. El proyecto conservo el edificio principal como un patrimonio arquitectónico.


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El objetivo principal del diseño era recuperar el paisaje primegenio modelando las diferentes zonas mediante la integración de vegetación local. El concepto principal de este proyecto era proporcionar a los visitantes y comunidades del distrito, una nueva plataforma para apoyar diversas actividades culturales, en un entorno donde se ha recuperado su identidad territorial y paisajistica. 



Extinction Rebelion hunde una casa en el rio Tamesis contra el cambio climatico



Con las imágenes aun recientes de las ultimas y dramáticas inundaciones que había sufrido la ciudad de Venecia a primeros de Noviembre del año pasado, por las que las aguas habían alcanzado una altura de hasta metro y medio.


Magnitud que nunca se había alcanzado al menos desde que se tenían registros estadísticos, me tropecé con la ultima intervención de la plataforma global anti-cambio climático Extinction Rebelión, una organización que se funda en Londres durante la década pasada.

Y que entre sus objetivos se ha propuesto denunciar y concienciar sobre una de los  mayores efectos del cambio climático relacionado con la extinción de millones de especies tanto de origen animal como vegetal, buena parte de ellas aun sin catalogar.

Y  que eligieron el lecho del Rió Tamesis para escenificar una de sus ultimas acciones, cargada de simbolismo. Una casa parcialmente sumergida se hunde en el fango, como señal del mal presagio que un día podría afectar de forma catastrófica a buena parte de la población.



LUCHA CONTRA EL CAMBIO CLIMATICO EN EL CENTRO DE LONDRES
 
Que tiene su residencia en algún punto de la costa, ya no solo en las Islas Britanicas sino en algunos de los muchos lugares sensibes que según el cuadro de expertos de la lucha contra el cambio climático, se verán afectados por la subida del nivel del mar.


Un problema que según las previsiones podría empeorar si se cumplen los peores escenarios, los cuales estiman que el nivel podría aumentar entre los uno y los cinco metros de aquí a cien años, tiempo relativamente corto.

Y que nos obliga a adoptar medidas politicas que garanticen la seguridad de la población en las zonas afectadas. Principalmente la idea detras de una acción como The Sinking House, no es alarmar a la opinión publica.

LA REBELIÓN CON EL AGUA AL CUELLO

Sino presionar a la administración sobre un problema que ya esta afectando a zonas costeras pertenecientes a ciudades costeras como Derbyshire y Yorkshire, donde debido al aumento del nivel del mar.

Muchos vecinos han tenido que abandonar sus viviendas, siendo de hecho los restos de una de ellas los utilizados como material simbólico para la casa The Sinking House, que en mitad del rio y a escasos metros.

Del puente mas emblemático de la ciudad ha supuesto una de las primeras propuestas donde se combina el activísimo social con una parte mas lúdica y festiva, con la que los componentes de Extinction Rebelion.

Tratan de movilizar y crear espacios de reflexión abriendo nuevos canales de participación a través de los que sumar sensibilidades, cuyo objetivo tratar de reducir las consecuencias de catástrofes naturales como el deshielo.

Fenómeno cuyo epicentro de acción se sitúa principalmente en los Polos terrestres, por lo que inmensas placas de hielo cuya superficie puede abarcar decenas de kilometros cuadrados se desprenden del continiente cada dia.

Deshaciendose mientras surcan a la deriva cientos de kilómetros a través del Oceano hasta que finalmente se deshacen, provocando un incremento sin precedentes en la historia del planeta Tierra, del volumen de agua.


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The Sinking House representa a nivel politico una acusacion contra el fracaso de las "escasas medidas" adoptadas para tratar de frenar los  efectos del cambio climatico a nivel global.

el arte mural de Oscar Oiwa recorre de Oriente a Occidente en clave ecológica


Nada mas acceder por una de las carpas o burbujas que utiliza como lienzo el artista brasileño Oscar Oiwa, te das cuenta que el efecto 360 grados que utiliza, tiene como propósito crear un escenario.

En el que tu dejas de ser un mero espectador para convertirte en un elemento mas de la trama que discurre a tu alrededor fluyendo de forma natural, como en una acción continua que te envuelve donde te integras formando parte de la acción activa. 

Influenciado por el universo del comic desde joven, antes de que completara su formación como artista en su Sao Paulo natal, donde sus padres se afincaron definitivamente tras arribar como emigrantes desde una aldea de Japon.


HISTORIAS ECOLÓGICAS A LÁPIZ SOBRE VINILO
 
Pero lo que definitivamente conformo su identidad artística fue el entrar en contacto con los iconos de lo conocido como el realismo mágico Iberoamericano, de cuyos autores, empezando por Gabriel Garcia Marquez devoraba sus historias con fruición.

Influencia que finalmente acabo trasladando algunas de sus instalaciones como las tituladas São Paulo in Black Snow (1997) o New York in Gardening -Manhattan (2002), donde los motivos empleados de forma alegórica hacen referencia a la iconografía de la aldea Macondo y sus singulares habitantes.

Los cuales se convierten en los elementos narrativos a través de los Oscar profundiza en los temas que a el le interesan o preocupan, como los mecanismos relacionados con el paso del tiempo y la memoria o en otro orden de cosas el medio-ambiente.


ARTE QUE PARODIA AL PODER

Tema recurrente en su obra y que el autor utiliza con el objetivo de crear una conciencia activista en terminos ecológicos, compromiso que se refleja en una obra monumental como fue G-8 Meeting (2007). Donde retrata en caricaturizando algunos de los principales mandatarios de la época, utilizando personajes extraídos del manga o del comic mas tradicional como Asterix, el Capitan America o Mafalda.

Tónica que culmina en su etapa mas reciente donde depura su estilo creando autenticas obras esfericas que recuerdan a las que se pueden ver en las bovedas de muchos templos e iglesia, paisajes circulares como los representados hasta en el mas mínimo detalle, como en Oiwa Island 2 una de sus primera grandes esféricas realizadas en su actual formato.

Fechada en 2016 con esta obra Oscar homenajea al país del que es origenaria su familia, intervención que se exhibe durante la edición de 2016 del festival Setouchi Triennale, representandose la escena sobre el interior del techo de un dome circular, cuyas paredes hinchadas están ocupadas en su totalidad con un paisaje que hace referencia a la cultura local.

Una obra cuya magnitud y cantidad de información desborda al visitante atónito y cuyo efecto óptico, sin embargo sustituye la experiencia de poder contemplarla en color, pauta que se repite en su ultima propuesta hasta la fecha. 

Titulada Paradise – Drawing the Ephemeral quizás estemos ante la obra mas inmersiva del artista, aplicando la misma metodología que en sus mas recientes trabajos, Oscar cubre la totalidad de la cúpula interior expuesta en la Japan House de Sao Paulo, en esta ocasión como en la citada con anterioridad recurre a motivos paisajisticos especificos relativos al país de sus padres. Donde los protagonistas son los jardines tradicionales, que pese a la masificación urbanística influenciada por la cultura Occidental, todavía se pueden visitar en muchas ciudades japonesas.  

  
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En la trayectoria del artista Oscar Oiwa los medios expresivos obedecen a la necesidad de equiparar la escala de los espacios, a la transcendencia del mensaje que se quiere transmitir representado en paisajes donde la naturaleza trata de sobrevivir pese a todos los obstaculos.