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Barbara Kruger, verbo y cuerpo como compromiso artístico


Con el paso del tiempo los elementos habituales que forman parte de las intervenciones de la artista americana Barbara Kruger se han ido refinando, hasta adoptar una expresión en muchos casos casi minimalista.
 
Si en la década de los 70´s del Siglo pasado recién finalizada su formación en cuyo transcurso había tenido la oportunidad de tomar clases de fotografía con ni mas ni menos que Diane Airbus, algo que sin duda influencio en sus siguientes periodos que se caracterizaron por emplear grandes fotografías en blanco y negro.

Casi siempre retratos en blanco negro a los que añadía sentencias en rojo, a través de las que el observador ya podía tomar conciencia de la posición y actitud reivindicativa de Barbara.

Enunciados cargados de la poesía Punk cuya redacción había sido cargada por las lecturas que de forma procelosa consumía, en aquellos años de iniciacion en el que como artísta se encontraba en plena transición, periodo en el que la poesía de una de las musas de la efervescente escena musical que se vivía en Nueva York en aquella época como era Patty Smith, se convirtió en un de su vehículos narrativos mas potente.

EL CUERPO COMO CAMPO DE BATALLA DIALECTICO

Frases categoricas como “Your body is a battleground” (tu cuerpo es un campo de batalla) o “I shop therefore I am” (Compro, luego existo). Que han sobrevivido de forma de forma corrosiva al paso del tiempo en sus cada vez mas escasas comparecencias, donde las escalas se han disparado hasta magnitudes donde el espacio  es colonizado por la palabra.


Donde la sintesis y el sujeto reflexivo sustituyen a la imagen y al gesto rompiendo definitivamente la dualidad publico privado en un grito, donde los silencios de las voces son palabras escritas en un negro espeso y denso que se convierten en gritos ahogados.

A través de los que Barbara muestra su desconcierto y angustia ante la cascada de acontecimientos de un principio de Siglo donde el individuo camina entre la incertidumbre y un sustrato social protagonizado por flujos constantes de información que le desbordan.

LA PALABRA PREVALECE SOBRE LA IMAGEN
 
Así en su reaparicion en 2009 en la Lever House Art de New York donde a través de la muestra "Beetween Being Born and Dying", Barbara sorprende a todos sus incondicionales fieles reinventandose a si misma, sin por ello renunciar a su credo  tanto estético como ideológico.


Donde a través de citas de la novelista Mary MCcarthy como Plenty should be enough (La abundancia debería ser suficiente) y In violence we forget who we are (En la violencia olvidamos quienes somos). A través de la que ironiza criticando  de forma mordaz conceptos como el consumo o las altas dosis de violencia a las que estamos habitualmente expuestos siendo conceptos a partir de los que construimos nuestro relato-ficción.

A este primer reencuentro le seguiría otras citas cuyos títulos mas sugestivos y reveladores si cabe como Past / Present / Future’ (Taking Place) celebrada en el The Stedelijk Museum Amsterdan en 2010, o las sucesivas Whitney on Site (Travestido en el sitio) en lo que supone su regreso a New York, o las mas recientes en el tiempo  titulada Shove it, Love it, Kiss it,  Believe it and Shame it muestra cuyo tema central era la fotografía en los medios de comunicacion y que fue programada en la Art Gallery de Ontario.

O la ultima hasta la fecha celebrada en 2017, la austera hasta en el titulo Forever cuya exposición finalizo recientemente en la  Sprüth Magers Gallery de Berlin, y a la que recurriendo a un glosario de términos categoricos como  Truth, Power, Belief and Doubt, and Embody. Barbara  disecciona lo que ella considerada una sociedad anestesiada por el consumo tanto de bienes, como de servicios y contenidos enfocados en el entretenimiento.

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 En su ultima etapa la artista Barbara Kruger se mantiene firme en sus convicciones, trasladandolas al espacio publico donde emplea un mensaje universal, a través del que nos interroga y desafía.

Rero - Textos tachados


Enunciados dispuestos sobre soportes o pintados sobre paredes, se convierten en extensión de paisajes censurados. Realizados a gran escala los textos tachados se convierten en rotulos de advertencia.

Realizados por el artista Rero, sus trabajos se inspira en la formas clandestinas, que empleaban los pioneros del graffiti en el New York de la década de los años 70´s del siglo pasado. Sus obras de carácter conceptual representan códigos de disuasión social. 

En un proceso en el que decodifica el subconsciente del individuo, aplicando un lenguaje explicito y tipografías que pueden resultar anodinas visualmente. Las intervenciones Rero aparecen de forma inesperada, tanto en entornos naturales como industriales, como apariciones informativas que responden a las circunstancias del lugar.

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A medio camino entre el arte urbano y el arte conceptual, Rero se pregunta por el contexto del arte, la imagen y de la propiedad intelectual


Martijn Sandberg - Poética urbana, al final la palabra sustituye a la imagen


Aunque en la mayoría de sus intervenciones en el espacio publico, el artista visual Martijn Sandberg emplea como medio expresivo muros y cornisas desde los que emite mensajes en un contexto social transversal.  


Que contrasta con la carencia estética de la redacción de las proclamas, que en los soportes verticales o redactados sobre plazas o aceras pasan inadvertidos estéticamente. Es esta discrepción lo que sin embargo proyecta su capacidad de expresión en el ámbito urbano.

En el cual fluyen por si solos de forma tangencial y desplazada desde una optica semantica, subliminal y seminal, hasta convertirse en textos. Donde se realizan alusiones al lugar donde se ubican casi siempre con la intención de establecer un vinculo con la memoria del mismo y sus antecedentes.


El trabajo del artista visual Martijn Sandberg natural de la ciudad holandesa de Ámsterdam explora constantemente áreas fronterizas, como la tensión entre texto e imagen, ilegible en el dominio legible, privado y público. Asi por ejemplo en propuestas como Sorry no image yet (Lo sentimos, no hay imagen todavía) o In westen nichts neues (Nada nuevo en el Oeste).


Realizadas con diferentes técnicas, entre las incluyen efectos de iluminación y recursos metafóricos, con los que cada enunciado reintrepreta el espacio utilizando un lenguaje poético y accesible en su semántica.  


Hay un juego sutil entre el lenguaje de la imagen y el significado de la imagen, y esto da lugar a preguntas. Aparente ambiguedad en el planteamiento estetico entre la tipografia empleada como sustitutivo de la imagen y su acto simbolico. Dualidad que se manifiesta en sus obras site-specific en el espacio público y la arquitectura como en De oude weg naar de nieuwe tijd (El Viejo Camino a la Nueva Era) obra integrada como un relieve de ladrillo en las paredes de las puertas y el pavimento del edificio Spaarndammerhart, Amsterdam. O en la escultura  I will survive (Sobreviviré) situado en el perímetro exterior de un cementerio en Hardenberg, Países Bajos.



Motoko Ishii - The Last Flowers, representa gráficamente una canción de Radiohead


La música es un lenguaje que al contrario que los idiomas articulados por fonemas y signos. Presenta una estructura gramatical que no exige un aprendizaje previo, siendo un medio de comunicación intuitivo que usa como materia prima el sonido.

The Last Flowers es una cancion cuya autoria esta firmada por el grupo de pop ingles Radiohead, siendo un tema que ha servido como inspiración al estudiante de diseño Motoko Ishii

Para crear su particular versión gráfica, en la que ha utilizado la cinta de viejos cassettes como material creativo. A partir del que representar visualmente y  simbólicamente  las estrofas y estribillos que articulan la canción de una de las bandas más iconicas del Brit Pop de la década de los 90's del Siglo pasado.


La instalación que forma parte del proyecto Visual Music. Proyecto singular gestionado por la profesora Olga Mezhibovskaya, que habitualmente imparte sus clases en la Escuela de Arte Visuales de New York. 


La propuesta dual The Last Flover mezcla la tipografía y el reciclaje. Suponiendo una invitación a partir del que sus participantes exploran las posibilidades de representar graficamente diferentes fuentes de sonido y frecuencias. Obteniendo resultados cuando menos sorprendentes,


En este contexto una pared en blanco se convierte en el pentágrama neutro sobre el Motoko transcribe visualmente el texto de The Last Project. Cuyo contenido se vuelve liquido transformando esa pared en un lienzo cuya representacion es la traducción visual de una partitura. 

Esta forma de abordar el diálogo entre diferentes ámbitos creativos, enriquece su significado tanto conceptualmente como estéticamente y narrativamente. Un auricular colgado en un rincón ofrece la posibilidad de escuchar la melodía completando la experiencia.